Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Análisis Biográfico

Nació en Leiden, 15 de julio de 1606 y murió en Ámsterdam el 4 de octubre de 1969. Fue un pintor y grabador holandés. Fue uno de los pintores más importantes del periodo Barroco.

Sus obras más reconocidas fueron sus autorretratos y sus ilustraciones bíblicas. Rembrandt tenía un profundo conocimiento de la iconografía clásica, y en sus pinturas y grabados solía interpretarla libremente para ajustarla a su propia experiencia. Así, en la representación de una escena bíblica Rembrandt solía combinar su propio conocimiento del texto con su particular concepto de la composición clásica y algunas observaciones anecdóticas de la población judía  de Ámsterdam.

 

Análisis Formal

Rembrandt se especializo y perfecciono a su manera los géneros del retrato, el paisaje y la pintura narrativa. En la pintura narrativa se consideraba un maestro ya que interpretaba y expresaba la profundidad emocional y cuidaba mucho los detalles de los pasajes bíblicos.

Utilizaba mucho bajo oscuro, técnica de representación ilusionista de formas— a un tratamiento posterior, más "áspero", que invocaba las cualidades del objeto mediante la calidad táctil con que figuraba en la pintura. En cuanto al grabado, podría hablarse de un desarrollo similar. En estas obras se combinan tema y técnica de tal modo que en ocasiones, una gran superficie vacía puede sugerir un espacio, mientras que en otras una compleja trama de líneas articula el volumen de formas en penumbra.

Análisis Crítico

Me gustan sus obras ya que expresan mucho naturismo y paisajes reales, ya que su temáticas y tendencias fueron Barrocas pudo desarrollar bastante el momento y el alrededor interpretando perfectamente cada detalle. Es un artista muy detallista ya que analiza cada cosa y la interpreta en la obra que realiza.

Fotográfico

 

Escultura en el Renacimiento

Escultura en el Renacimiento

Donatello

David en marmol

Los brazos son desproporcionadamente largos, pero posee detalles anatómicos realistas: las manos, el torso, su cabeza coronada de amaranto (símbolo profano). La expresión del rostro es un poco inexpresiva, pero la pose y la actitud parecen expresar el orgullo de su conciencia divina. El desplazamiento del peso sobre la pierna derecha con el torso torcido hacia el lado opuesto, indica la intención para crear un mayor dinamismo con el clásico contrapposto.

 

Andrea del Verrocchio

David

Siguio el principio de los cánones estándar florentinos. Esto es evidente en la estatua de bronce del David, encargo de Lorenzo y Juliano de Médici hacia 1476 . El David de Verrocchio es menor de edad, y está vestido con modestia, en contraste con el provocativo David de Donatello, altivo en su victoria. La belleza, idealista.. Gracias a su sublime elegancia es una de sus esculturas más valoradas.

Pintura en el Renacimiento

Masaccio
La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal

Epoca Renacentista.
El tratamiento del desnudo remite a modelos de la Antigüedad (para Adán, se ha pensado que Masaccio pudo haberse inspirado en estatuas de Marsias o de Laoconte; para Eva, alguna de las venus púdicas romanas). El patetismo de la escena se acentúa con el grito doloroso de Eva y el vientre contraído de Adán, que toma aire.

 

Paolo Ucello

 

Como en otras obras del mismo artista, se presentan mezclados elementos medievales y renacentistas como, por ejemplo, el tratamiento escultórico de los volúmenes y los escorzos de las figuras con variadas perspectivas, junto a otro elementos de tradición gótica, como los colores brillantes y el refinamiento decorativo en particular de las figuras y del paisaje, la perspectiva es dada por las lanzas de los combatientes.

Las figuras de los hombres y de los animales son geométricas y precisas, aunque irreales como los colores que usa: los caballos son rojos, blancos y azules. Esa luz y colores irreales puede que estén inspirados en algún relato caballeresco.

 

Sandro Botticelli

 

El nacimiento de Venus 1484

 

Está ejecutada al temple sobre lienzo, es renacentista, desde los tiempos de la Roma clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones. El desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, expresando una fascinación hacia la mitología, común a muchos artistas del Renacimiento.

 

 

 

Leonardo Da Vinci

La ultima cena

Su mejor obra, la más serena y alejada del mundo temporal, durante esos años caracterizados por los conflictos bélicos, las intrigas, las preocupaciones y las calamidades. La dio por terminada, aunque él, eterno insatisfecho, declaró que tendría que seguir trabajando en ella.  Durante su realización se tejieron innumerables leyendas en torno al maestro y a su obra. Los relatos de Bandello y Giraldi, dedicados por lo demás a temas radicalmente distintos, recogen también la génesis de La Última Cena.

 

 

 



Miguel Ángel

La creación de Adán

Es un fresco en el techo de la Capilla Sixtina, pintado alrededor del año 1511. Ilustra el episodio bíblico del Génesis en el cual Dios le da vida a Adán, (según la tradición bíblica es el primer hombre). Cronológicamente es el cuarto de los paneles que representan episodios del Génesis en el techo de la capilla, fue de los últimos en ser completados y es una de las obras de arte más apreciadas y reconocidas en el mundo.

 

Arquitectura en el Renacimiento

Filippo Brunelleschi.

Cúpula de la Catedral de Florencia. Gótico- Renacentista

Comenzó 1420 y fue completado en 1436.

Hay una superposición de dos bóvedas esquifadas, octogonales, una dentro de otra, que estaban hechas de ladrillo, divididas en tramos a modo de gajos. Esta innovación permitía un reparto de esfuerzos, además de conseguir la sensación de ligereza.

La distancia entre ambas cúpulas se mantiene siempre constante. Por su casquete alargado recuerda al gótico. Está construida sobre un tambor poligonal de fábrica, en el cual se abrieron óculos circulares, que proporcionan iluminación cenital al interior del crucero.

Con base de la cúpula es octogonal.

Leon Battista Alberti
Palacio Rucellai

Ubicado en Florencia.
Se construyó entre 1446 y 1451.

Su intervención en él se centra en la fachada, sobre una base que imita el opus reticulatum romano, realizada entre 1450 y 1460, y formada por tres planos superpuestos, separados horizontalmente por cornisas; la superposición de filas de columnas con distintos órdenes tiene origen clásico, y se basa en el Coliseo: en el piso inferior dóricas, jónicas en el piso noble y corintias en el segundo piso. El palacio pasará a ser modelo para todas las siguientes construcciones de residencias señoriales.

Explica que la arquitectura debe imponerse más por el prestigio de las proporciones que por la demostración de belleza y lujo.

Posee arco de medio punto con decoración heráldica y posee almodillados.

Donato d'Angelo Bramante
Basílica de San Pedro
En la ciudad del vaticano
La construcción del edificio actual se inició el 18 de abril de 1506.
El proyecto consistía en un edificio con planta de cruz griega inscrita en un cuadrado y cubierta por cinco cúpulas, la central de mayor tamaño y apoyada en cuatro grandes pilares, inspirándose en la Basílica de San Marcos, y un claro ejemplo de planta centralizada típica del Renacimiento.La cúpula central, inspirada en la del Panteón de Agripa, se situaba sobre el crucero, y las restantes en los ángulos.

Presenta arcos de medio punto.

Andrea Palladio

Basílica Palladiana

Ubicada en Vicenza

Se encargó de la reconstrucción en 1549. Palladio añadió un nuevo armazón exterior de mármol, una logia y un pórtico que ahora oscurece el original diseño gótico de la basílica.

Posee arcos de medio punto, decoración heráldica, almodillados y columnas dóricas.

Proporción aurea

Proporción aurea

Esta proporción se trata sobre el vínculo que existe entre dos segmentos pertenecientes a una misma recta y que esta sale un número irracional.

Este número le otorga a todo una condición estética.

También lo suelen llamar como divina proporción ya que todo lo que esta con esa medida se considera bello.

Un ejemplo seria: el segmento a es más extenso que el segmento b, mientras que la longitud total de la recta es, al segmento a, como el segmento a es al segmento b.

Si ponemos la proporción áurea en un expresión algebraica, tendríamos la siguiente ecuación: (a + b) / a = a / b. El número áureo, que se lo menciona con la letra griega phi, es el resultado de la división entre a y b.

Pintura Gotica en paises bajos

 Pintura flamenca

Pintura flamenca es el nombre del arte que se da al conjunto de pintores flamencos, los maestros que se formaron y mantuvieron sus talleres en las ciudades flamencas en los siglos XV, XVI y XVII, lo que cubre los estilos artísticos del gótico final, el Renacimiento, el Manierismo y el Barroco.

Se caracterizó por el detallismo de las miniaturas.

Los llamados «primitivos flamencos» fueron los primeros en popularizar el uso de la pintura al óleo. Entre ellos destacan:

    Jan van Eyck (1390-1441): Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa

    Hans Memling(1430- 1493): La adoracion de los magos 

    Roger van der Weyden (1399-1464): La Virgen con el Niño y santos Pedro, Juan el Bautista, Cosme y Damián (Madona Médici)

    Hugo van der Goes (1440-1482): Triptico Portinari

    Robert Campin (1378-1444): Santa Barbara

    Hieronymus Bosch, llamado en España El Bosco (1450-1516): San Juan Bautista en meditacion

Exposición Grandes maestros del arte popular de Iberoamérica

Exposición Grandes maestros del arte popular de Iberoamérica

Análisis conceptual

Son obras de arte popular hechas por artesanos mas reconocidos de Iberoamérica. esta colección presentada en la exposición fue reunida de las obras desde 2007 hasta 2012 de 500 artesanos aproximadamente.

Cada una de las obras tenia su propio significado dependiendo de donde fue hecha, del material y la función o el concepto que el artesano quiso darle.

Se clasificaron de acuerdo del material empleado como: papel, barro, metal, textiles y otros.

 

Análisis bibliográfico

1. Salvador Vázquez Carmona
Nació el 23 de diciembre de 1933 es un alfarero mexicano de la ciudad de la artesanía Tonalá, Jalisco la cual se especializa en el estilo regional de cerámica, llamada bruñido.
Salvador comenzó trabajando con arcilla cuando tenía seis años de edad, aprendió de su madre. Eventualmente Vázquez Carmona estableció su propio taller en su casa donde continua trabajando con sus hijos.
Salvador Vázquez se especializa en bruñido que es un tipo de cerámica pintada de colores naturales, generalmente la creación de piezas largas, tal como floreros, round cooking, ollas, grandes “tibores,” y platos, utilizando arcilla extraída en color blanco, negro y rojo, creación de piezas con moldes y por sus propias manos.
fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_V%C3%A1zquez_Carmona

2. Marcia Vásconez Roldán
Nacio en Guaranda, 1960 es una artista plástica ecuatoriana. Varias de sus obras son parte del espacio público de ciudades como Quito, Guayaquil, Loja, Ambato, Puyo, entre otras.
La técnica que utiliza para crear sus esculturas es la del ferrocemento: una estructura de varillas que cubre con una malla metálica, y sobre esto se coloca una capa de aproximadamente seis centímetros de mortero de cemento, asegurándose que los materiales que recubren las figuras sean resistentes a la intemperie.También utiliza la cerámica.
Para la artista, sus obras deben representar las costumbres, historia e identidad de los ecuatorianos, que produce un sentido de apropiación de la ciudadanía con el uso de sus esculturas, se identifica con las imágenes, no conciben ese espacio sin su presencia. Además, se sienten ofendidas cuando son violentadas.
fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Marcia_V%C3%A1sconez_Rold%C3%A1n

3. Oscar Soteno
Se caracteriza por su uso de barro amarillo y rojo, encontrado en depósitos cerca de Ocotitlán. El barro es mezclado y puesto al sol y a lo largo de varios días se rompen pedazos de la mezcla y se agita el material. Las piezas formadas se ponen a secar en un área cerrada dentro del taller y después, se ponen al sol para que se sequen por completo.
Los “árboles de la vida” son piezas que representan normalmente la escena bíblica de Adán y Eva. Sin embargo, también existen “el árbol de la muerte, el árbol de la primavera, el árbol de la virgen, el árbol del nacimiento”, etc.
fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Familia_Soteno

Análisis formal

 

Cada una de las obras tenia una tendencia de arte popular la mayoría poseía colores llamativos, que representaban su origen y posición geográfica de donde provienen.

cada obra estaba hecha con materiales distintos provenientes de la zona de la que vienen.

La composiciones de la obra dependen de lo que hayan querido representar cada uno en este caso fueron las cultura de regiones y países diferentes con sus costumbres y tradiciones.

 

Análisis Simbólico

 

Con las obras expresan los cambios de las culturas que han sufrido cada nación y cultura, el paso de tiempo y cambio de costumbres que se han producido.

al mismo tiempo podemos diferenciar en que es popular o abastecido cada region dependiendo del material con el que se ha desarrollado la obra.

 

 

Análisis Fotográfico

 

 

 

 



 

 

 

 

Exposición Cosmética del Caos

Exposición Cosmética del Caos

 

Análisis Conceptual

 

Son cuadros de pequeño tamaño realizados con acrílicos sobre lienzo. Ella trata de incentivar al visitante que se imagina y interprete solo los diferente espacios y tramas que ella ha dibujado. Lo que ella demuestra es que hay una necesidad comunicativa entre artista- obra- observador, ya que cada cuadro posee su propio tema y sentido interpretado.

 

Cada cuadro representa una parte de su imaginación y interpretación lo que se denomina como un Caos, ya que son como mundos pequeños.

 

 

Análisis Bibliográfico

 

María Isabel Castro nació en Barranquilla, Colombia. Se radicó en Quito desde 1995. Realizó sus estudios de Arte y Decoración en su ciudad natal.

Ha presentado varias exposiciones individuales. En 2006 fue considerada una de las diez artistas más importantes del Caribe colombiano.

Sobre su pasión por trabajar con acrílicos comenta: “Es un material que tiene un potencial ilimitado. La experimentación con este material es fantástica. Su trabajo es versátil”.

 

fuente: http://www.lahora.com.ec/index.php/noticias/show/1101491882/-1/%E2%80%98El_arte_me__permite_comunicar%E2%80%99.html#.VVLtGCVFDIU

 

Análisis Formal:

 A María Isabel Castro le gusta trabajar mas que todo con acrílicos, lo que hizo en esta exposición igualmente son pinturas con acrílicos. La composición de los cuadros posee tramas y al mismo tiempo es totalmente abstracto lo que se puede interpretar de cualquier forma.

 

Análisis Simbólico:

Las obras es interpretada por los observadores completamente ya que quería llegar al concepto de que cada visitante sea el que le ponga su significa  conclusiones que haya una relación entre obra y visitante. Habían unos pocos tableros con explicaciones generales pero no ponía el concepto especifico en ninguna de las obras.

 

Análisis critico

A mi como estudiante de arquitectura me gustaron mucho las pinturas ya que para mi criterio cada obra existente en el mundo debería tener esa expresividad y al mismo tiempo ser abstracto con el fin de que el observador misma la pueda interpretar y gustarla.

 

Fotografías: